Théâtre et Dépendance: juillet 2013

vendredi 12 juillet 2013

Nanine d’après Voltaire

Il ne faut jurer de rien

Jouée pour la première fois en 1749, cette comédie en décasyllabe de Voltaire relate les atermoiements amoureux du comte d’Olban qui voudrait épouser Nanine, une belle et vertueuse paysanne, mais doit vaincre les préjugés de classe et revenir sur sa promesse donnée à la baronne de l’Orme. Brillamment mise en scène par Laurent Hatat, cette pièce suscite d’abord un vrai plaisir de spectateur mais aborde surtout avec finesse la question de la liberté de la femme et de ses aspirations dans un monde dominé par les hommes.

Une comédie (désen)chantée
Avec un prologue chanté du plus bel effet – en forme de clin d’œil narquois à Jacques Demy et à ses histoires (en)chantées – par lequel les comédiens présentent leur personnage, le spectateur entre pleinement dans cet espace de jeu en quadri-frontal où, autour d’un méchant canapé, vont s’affronter aristocrates et plébéiens. Un combat inégal entre la noblesse de cœur incarnée par Nanine et une noblesse de titre personnifiée par la baronne de l’Orme, autocrate fustigeant une Nanine qui a «l’insolence de plaire» au comte d’Olban qu’elle convoite. Comme si sa modeste condition assignait Nanine à l’assujettissement et la destinait à la convoitise empressée et maladroite du jardinier des lieux.

Une rivalité de classe qui fragilise la détermination de Nanine («je pense trop pour un état si bas» avoue-t-elle désemparée), jouet de la passion des puissants, étouffée par l’amour du comte et effrayée par la haine de la baronne, en une ronde de sentiments proférés avec menaces ou injonctions. Une marionnette dans les mains de ses manipulateurs mais qui, bientôt, coupera les fils pour mieux s’émanciper. Mais si Nanine semble s’affranchir des «je veux» assénés par ses «maîtres» et aspire à être enfin son «propre sujet», elle subit, impuissante, l’étreinte finale du comte qui s’apparente au baiser du tueur anéantissant ses rêves d’indépendance.
L’épilogue ambivalent d’une pièce qui pourrait être le chaînon manquant entre le Marivaux de La Double inconstance et du Préjugé vaincu – une pièce de 1746 qui est aussi le sous-titre de Nanine ! – et le Beaumarchais du Barbier de Séville (mis en scène par Laurent Hatat en 2010). Une comédie menée tambour battant – rythmée par la partition musicale live de Johann Chauveau – qui interroge avec une pointe de désenchantement la place de la femme dans une société inféodée au pouvoir masculin.

Parfaitement dirigé, le magnifique quintet de comédiennes – Mounya Boudiaf, Noémie Gantier, Caroline Mounier, Victoria Quesnel et Tiphaine Raffier – donne un supplément d’âme et de corps à ses personnages, favorisant la part de féminité des rôles masculins et impulsant une masculinité aux rôles féminins. Une plaisante confusion des genres accentuant le trouble et dessinant de subtils artifices dans un jeu de dupes autour du désir et de la liberté.

Représentations du 14 au 28 juillet à 14h15 au festival Off d’Avignon, Présence Pasteur. Puis les 18 et 19 mars 2014 au Théâtre de Lons-le-Saunier et le 4 avril au Centre culturel d’Arques.

mardi 9 juillet 2013

Les Particules élémentaires d’après Michel Houellebecq

Le déclin de l’empire occidental

Adaptation libre et fidèle du roman éponyme de Michel Houellebecq, Les Particules élémentaires est probablement l’une des plus belles propositions vues sur un plateau de théâtre ces dernières années.

«Raconter l’histoire d’une espèce qui commence à comprendre comment elle est faite, et à jouer avec sa propre construction, c’est encore plus flatteur pour l’humanité : regardez combien nous sommes déterminés, passionnés, pour avoir dévoilé tous ces processus, et regardez à quel point nous devrions être effrayés d’en être arrivés là.» Richard Powers

«Retracer la fin de l’ancien règne» d’un monde dont le crépuscule se dessina à l’aube des années 2000, puis ébaucher les prémices d’une post-humanité : telle est l’ambition du narrateur des Particules élémentaires, reprise avec une convaincante audace par Julien Gosselin dans ce spectacle qui devrait réconcilier partisans du théâtre de texte et adeptes de l’éclatement des formes théâtrales.

Julien Gosselin n’élude ainsi aucun des thèmes abordés dans le roman, comme celui de la misère sexuelle née de la libération des années 1970 où Houellebecq esquisse avec une justesse confondante les liens entre ultralibéralisme économique et vie sexuelle soumise aux lois du marché. Une époque où l’individu est inféodé à l’abondance de la chair disponible sur le marché de la jouissance programmée ou assujetti à ses désirs frustrés.

Un spectacle d’une belle impureté cheminant entre mélancolie des sentiments et froideur du discours scientifique, circulant avec finesse entre compassion et férocité à l’image du regard de Houellebecq sur le monde. Un théâtre où le désespoir est palpable : «en définitive, la vie vous brise le cœur» dit l’un de ces personnages plongés dans une époque où «plus personne ne savait comment vivre». Empreintes parfois d’une grande douceur, tantôt traversées d’une extrême violence (le début de la seconde partie avec le personnage de David Meula adepte de Charles Manson), nappées d’un humour subtil ou frontal, ces Particules élémentaires dessinent la fin du XXe siècle – une éternité à l’échelle du numérique galopant – mais nous parlent aussi du monde d’aujourd’hui.

Si ces Particules revêtent les atours d’un théâtre romanesque à travers son texte polyphonique – Michel Houellebecq est un admirateur de la Comédie humaine balzacienne – Julien Gosselin s’en éloigne, sans surenchère formelle, en signant une œuvre protéiforme où les corps, la matière sonore, la vidéo et le montage des séquences (il coupe toujours au moment idoine) participent à la dynamique d’une représentation sécrétant une renversante énergie qui percute le spectateur et l’emmène dans les sphères les plus ardues du récit. De plus, Guillaume Bachelé signe une musique hypnotique et intense dont les couleurs épousent ou révèlent les atmosphères contrastées déclinées par la pièce. Sans oublier quelques judicieuses reprises en osmose avec l’époque dépeinte comme l’inusable «A Whiter Shade of Pale» de Procol Harum.

Enfin, la beauté de ce spectacle doit beaucoup à de magnifiques comédiens dont le jeu est à la hauteur de la définition qu’en donne Jan Lauwers : «Pour moi un acteur est un performeur qui présente un personnage tout en étant lui-même. Il doit être capable d’en donner différentes couleurs, différentes nuances». Mention spéciale à Victoria Quesnel composant une émouvante Annabelle, Noémie Gantier au plus près des incertitudes du désir et du cœur de Christiane, Caroline Mounier hilarante en animatrice du camping alternatif, Denis Eyriey qui joue un sidérant Michel Houellebecq sans le cloner, et Alexandre Lecroc qui pianote avec une touchante justesse sur la gamme des sentiments traversant Bruno. Une formidable troupe magnifiant un spectacle en osmose avec son époque.

Représentations les 11, 12 et 13 juillet à 15h au festival d’Avignon, salle de Vedène. Puis du 8 au 16 novembre au Théâtre du Nord à Lille, les 20 et 21 novembre au Théâtre de Vanves, le 8 avril 2014 au Théâtre de Soissons, du 15 au 18 avril 2014 à la Rose des Vents à Villeneuve d’Ascq et en novembre 2014 au Phénix de Valenciennes.

lundi 8 juillet 2013

Place du marché 76 de Jan Lauwers

Crimes et châtiments

Après La Chambre d’Isabella (2004), Le Bazar du homard (2006) et La Maison des cerfs (2009), le festival d’Avignon présente la dernière création de Jan Lauwers, Place du marché 76, née de ses inquiétudes et indignations au regard d’une Europe occidentale tentée par le repli identitaire. Un spectacle d’une noirceur surprenante mais traversé d’une foi humaniste contagieuse.

Articulé en quatre actes comme autant de saisons rythmées par une couleur musicale différente, Place du marché 76 raconte l'histoire d'un village endeuillé par une explosion tragique sur la place du marché, provoquant la mort de 24 personnes dont plusieurs enfants. Une communauté percutée par le deuil et le chagrin mais qui devra affronter plus tard d’autres épreuves – l’inceste et l’enlèvement, la pédophilie ou le suicide – et tentera de continuer à vivre, après une tumultueuse tentative de psychanalyse collective où la parole se libère et peut détruire.

Une tragédie musicale

Le metteur en scène flamand aborde ainsi les questions sensibles de la souffrance après une tragique disparition mais aussi celle du vivre-ensemble et des conséquences indicibles du traumatisme au sein d’une communauté. Une fable féroce, parfois drôle, où l’artiste s’interroge et nous tend le miroir de ses doutes et colères. Qu’est-ce qu’un châtiment qui ne guérit pas les blessures ? semble nous demander ainsi Jan Lauwers alors qu’un homme s’est noyé dans la fontaine sous le regard indifférent des villageois. Une soif de vengeance où se dessine en creux le pardon impossible d’une petite société apeurée, repliée sur elle-même, mais qui parviendra à renouer ses liens, fût-ce au prix fort.

Un spectacle tissé de temps faibles, de moments suspendus et de fulgurances, parfois de grâce, emportant le spectateur dans un maelström de sentiments contraires et de sensations paradoxales. Fredaines doucereuses s’entremêlant à une douleur insoutenable, costumes colorés pour une œuvre au noir, touches surréalistes dans un écheveau de situations dramatiques : Jan Lauwers joue pleinement sur les contrastes, comme pour suggérer que la vie n’est qu’une suite d’instants dissonants où il importe pour chacun de surnager. Une tragédie musicale – comme on parle de comédie musicale – où textes, marionnettes, musiques live, chants et chorégraphies convergent vers l’épilogue réconciliateur, «hommage à l’humanité dont les membres persistent à survivre, avec leurs joies et leurs peines, même lorsque les catastrophes s’enchaînent», selon les mots du metteur en scène.

Si, comme souvent chez Jan Lauwers, le chaos semble gouverner le plateau, celui-ci – narrateur et de chef de la fanfare locale – supervise au plus près ce capharnaüm en trompe-l’oeil où une redoutable troupe de comédiens et performers complices, avec Grace Ellen Barkey à sa tête, peint brillamment l’abondante gamme de nuances associées à des personnages effrayants et pathétiques, généreux et touchants, humains après tout…

Représentations les 8, 9, 11, 12, 13, 15, 16 et 17 juillet à 22h au Cloître des Carmes à Avignon. Puis les 21 et 22 novembre à la Scène nationale de Sète.

Orphelins de Dennis Kelly

Monstres ordinaires

Inédite jusqu’alors en France, cette pièce de l’auteur britannique Dennis Kelly est une violente immersion dans un huis clos familial où trois personnages choisissent de sacrifier un homme par haine, par peur ou pour protéger les liens du sang. Mis en scène avec acuité par Arnaud Anckaert, ce texte enraciné dans un fait divers abject nous tend un miroir inquiétant sur le monde d’aujourd’hui et esquisse quelques questions essentielles sur la culpabilité et la responsabilité de chacun face à l’ignominie.

Si les orphelins du titre évoquent d’abord Helen et Liam, soeur et frère orphelins après la mort accidentelle de leurs parents, ils suggèrent aussi l’idée que ces deux personnages sont orphelins du monde dans lequel ils vivent. Ou plutôt qu’ils sont coupés de ce monde parce qu’ils ont peur de l’autre - qu’il soit jeune ou pakistanais – et préfèrent ainsi se replier sur eux-mêmes et leur famille pour ne pas avoir à affronter ce “dehors” et son cortège d’angoisses latentes et d’inquiétudes sourdes insinuant le doute dans les esprits fragiles. Seul Dany, dans un premier temps, ne craint pas le monde qui l’entoure, ce quartier où il vit malgré une agression subie récemment et le conseil de Liam qui lui conseille de déménager.

Silence coupable

La pièce s’ouvre sur l’irruption de ce dernier, ensanglanté, affirmant à Helen et Dany avoir secouru un gamin blessé et abandonné au coin d’une rue. Confus dans ses propos lacunaires, visiblement perturbé, Liam vient chercher refuge, telle une bête blessée aux aguets, et plonge le couple dans l’expectative. Bientôt Dany avance l’idée d’appeler la police afin de porter secours à l’adolescent mais Helen (Valérie Marinese) panique car son frère a un casier judiciaire qui le rend suspect. D’autant qu’à mesure de leurs questions, Liam se contredit puis finit par confesser une tout autre version... Cet événement dramatique va alors bouleverser les relations du couple au point de remettre en question leurs sentiments, leur désir d’enfant et de métamorphoser leur amour en un champ de ruines...

Si la pièce de Dennis Kelly est parfois un peu trop didactique et pas assez ambivalente, articulée et tendue vers un épilogue qui fait froid dans le dos, elle ménage un vrai suspens psychologique qui contraste avec nombre de pièces contemporaines vouées à une abstraction désincarnée. Un matériau idoine pour des comédiens qui peuvent esquisser les paradoxes de personnages finement dessinés au long de dialogues percutants, dans le droit fil d’un théâtre anglo-saxon qui ne s’embarrasse pas toujours de fioritures mais file à l’essentiel. A ce jeu de l’interprétation, François Godart trace avec subtilité les lignes chancelantes d’un Dany peu à peu résigné, absent à lui-même, devenu corps fantôme au sein d’une cellule familiale qu’il ne reconnaît plus. Mais c’est sans conteste Fabrice Gaillard qui remporte la palme en donnant à Liam les reliefs saisissants d’un monstre ordinaire, ami d’un néonazi, frère aimant aux sentiments à fleur de peau, paumé inquiétant et désemparé. Un être qui coule lentement vers les abîmes et s’accroche comme un damné à ceux qui le protègent (mal) de ses démons intérieurs. Souvent aveuglé par la haine, parfois lucide sur lui-même et ses proches, mais toujours égaré sur les chemins tortueux de l’humanité bafouée et de la barbarie masquée sous couvert de la défense d’un clan ou d’une lignée.

Représentations jusqu’au 30 juillet à Présence Pasteur. Puis du 4 au 12 décembre au Théâtre du Nord, salle de l’Idéal à Tourcoing.

Théâtre et Dépendance